Divina Commedia. L’Inferno di Dante è tutto Toscano

In questo affresco viene rappresentato, come in un riassunto supremo, tutta la Divina Commedia.

Esso rappresenta Dante con una tunica rossa, con in mano, aperto, il suo poema. 

A destra le mura che cingono la città di Firenze, a sinistra quelle che cingono la “Città di Dite”: l’Inferno.

Dietro si scorge la montagna del Purgatorio – scalata da anime affaticate e appesantite – e nella cui cima svetta il Paradiso Terrestre.

Sullo sfondo, nel blu della volta celeste, le stelle fisse dei santi e degli angeli, si stagliano i sette cieli a mo’ di divino arcobaleno.

L’unico problema dell’opera, però, è che si tratta di un affresco unico.

Le illustrazioni invece, con la loro struttura e la loro organicità, hanno il compito di accompagnare il lettore in un percorso parallelo a quello dei versi stessi, canto dopo canto, scena madre dopo scena madre, volto dopo volto, come a volerli spiegare.

È un secondo livello di lettura, prettamente visivo, che ha il compito di facilitare il primo, quello della scrittura stessa.

Ma l’illustrazione, non si sbagli, non sostituisce certo il verso.

Anche perché le illustrazioni vengono dopo l’opera, non prima.

Ed allora a che cosa servono le illustrazioni?

A completarla.

L’illustrazione è tanto forte – perché immediata – da riuscire a interpretare una scena, ma non lo è così tanto da sostituirla, e la sua importanza si fa così centrale che non si può più capire il testo senza le illustrazioni, come le illustrazioni senza il testo.

E tra tutte le illustrazioni della Divina Commedia che possono esserci passate mai sotto gli occhi e che conserviamo tutt’ora integre nella nostra memoria pronte ad affacciarsi di nuovo non appena un verso familiare le evochi, le più famose – oltre a quelle del francese Gustave Doré – presenti in ordine sparso, alla rinfusa e spesso tagliate a metà dalla fretta degli stampatori, sono quelle di uno degli artisti rinascimentali più illustri.

Molti miniaturisti prima di lui avevano tentato di illustrare la Divina Commedia.

Il poema aveva affascinato un po’ tutta Italia da che era nato. Addirittura aveva già fatto parlare di sé quando il suo autore era ancora in vita.

Ma nessuno era riuscito a dare un contorno completo al disegno. 

I miniaturisti, come a corto di ispirazione, erano stati soliti fermarsi a metà, sul più bello, tanto che fino a inizio del Cinquecento non esisteva una sola opera della Divina Commedia illustrata integralmente.

Le illustrazioni venivano tagliate, interi canti venivano saltati, e nella cantica del Paradiso solo alcuni temerari avevano osato addentrarsi come se fossero stati di fronte ad una sfida troppo alta.

Ma la Divina Commedia richiedeva una sua rappresentazione visiva, la pretendeva.

Occorreva un uomo degno di questa missione, un «cervello stravagante», come ebbe a definirlo il Vasari: Sandro Botticelli.

Anche se a tutta prima poteva non sembrare così.

Nella Pleiade artistica del Rinascimento, Lorenzo di Pier Francesco de’ Medici – cugino di Lorenzo il Magnifico e committente e mecenate della prima illustrazione integrale della Divina Commedia – non avrebbe potuto scegliere artista apparentemente meno indicato per un compito di questo genere.

Lorenzo aveva già avuto il piacere di commissionare Botticelli, tanto che i suoi quadri più celebri, la Primavera e La nascita di Venere, erano in casa sua che posavano.

Botticelli però non era mai stato un artista regolare.

La sua produzione pittorica era sempre stata frammentaria, occasionale, eterogenea, poiché aveva seguito sempre l’estro e il committente del momento.

Per quanto Botticelli fosse stato un ottimo lettore dei classici, per quanto avesse amato i miti greci al pari delle allegorie medioevali, per quanto avesse unito il sacro al profano, per quanto avesse apprezzato in maniera uguale il De Rerum Natura di Lucrezio come le Stanze del Poliziano, la sua arte, riassunta nella linea botticelliana, aveva catturato solo le ispirazioni di un attimo.